blog de Choc

Le vendredi 22 mars sera dispersée à l’Hôtel Drouot la collection de disques de Pierre Mondy, passionné de jazz décédé en septembre 2012 à l’âge de 87 ans. Expert de cette vente aux enchères, la première du genre à Drouot, Arnaud Boubet raconte...

« Pierre Mondy passait presque tous les samedis rue de Navarre acheter des disques chez Paris Jazz Corner. C’était pour lui un moment de détente et il était malheureux lorsque son travail l’en empêchait. C’était un homme très occupé. Outre les films et les séries télévisées dans lesquels il jouait, il mettait en scène de nombreuses pièces de théâtre. Il aimait beaucoup son métier, mais son autre passion était le jazz. Il ne l’aimait pas trop moderne, le free jazz n’était pas son truc, mais il appréciait le middle jazz et le bop et les jazzmen d’aujourd’hui qui perpétuaient la tradition, les artistes du label Concord, la chanteuse Carol Sloane en particulier. Il possédait beaucoup de disques de piano et des disques en big band. La guitare et le piano étaient ses deux instruments préférés. Il écoutait aussi les saxophonistes, Stan Getz, Johnny Hodges, Ben Webster, Coleman Hawkins, et avait une belle collection d’enregistrements d’organistes, Jack McDuff et Jimmy Smith entre autres. Pendant très longtemps, Pierre ne s’est intéressé qu’aux vinyles, mais ces dernières années, il n’achetait que des CD. Je l’ai eu comme client régulier une bonne vingtaine d’année. Paris Jazz Corner existe depuis janvier 1991. Avant de se fournir chez nous, Pierre achetait ses disques à la FNAC et à Lido Musique. C’était un client de Daniel Richard et il l’a suivi lorsque ce dernier s’est occupé du magasin Les Mondes du Jazz, spécialisé dans l’importation de vinyles japonais. Le Japon rééditait massivement les trésors du jazz américain, le jazz que Pierre aimait. Le jazz européen et français l’intéressait moins, Barney Wilen et Michel Sardaby mis à part. Pierre me demandait parfois de lui rapatrier rue de Navarre des disques que nous vendions sur notre site internet. Je lui rendais volontiers ce service. Il était accro et même malade il en commandait toujours. Il n’a pas eu le temps de tous les écouter. De nombreux CD qui seront mis en vente le 22 mars sont encore scellés, des enregistrements qu’il recevait par la poste. Avec sa maladie, il ne pouvait plus se déplacer jusqu’à la boutique et Maxime Hubert, mon associé, lui apportait les disques à domicile. »

Pierre me disait toujours : « Fils, je suis beaucoup plus âgé que toi, je partirai avant toi et mes disques tu te chargeras de les vendre. » Quelques mois après sa mort, Maître Alexandre Ferri qui est commissaire priseur m’a demandé d’expertiser sa collection de disques. J’ignorais alors qu’elle allait être vendue aux enchères à Drouot. C’est la première fois qu’une vente entièrement consacrée à des disques y est organisée. Cette collection de 12.000 disques comprend des vinyles, des CD et de nombreux coffrets Mosaïc. Elle sera vendue par lots. La famille a également souhaité vendre, platines, amplificateurs, enceintes, tout le matériel hi-fi de Pierre. Tous ces lots ont des prix d’estimation attrayants qui seront probablement dépassés, compte tenu des nombreuses raretés qu’ils contiennent. Certains disques rares seront vendus à la pièce. Je pense à des enregistrements de Paul Chambers, Bennie Green et Sonny Clark. Estimé entre 500 et 900 euros, ce dernier, un disque Blue Note, illustre la couverture du catalogue. Cette vaste collection attirera probablement des curieux, mais les vrais amateurs de jazz seront là pour assouvir leur passion. »

-Vendredi 22 mars à 14 heures, Drouot-Richelieu salle 2 (9, rue Drouot - 75009 Paris). Expositions publiques : jeudi 21 mars de 11h à 18h et vendredi 22 mars de 11h à 12h.

Catalogue en ligne sur www.ferri-drouot.com

Expert : Arnaud Boubet 06 73 38 48 88 jazzsale@hotmail.com

Paris Jazz Corner : 5, rue de Navarre 75005 Paris. www.parisjazzcorner.com

PHOTOS : Pierre Mondy © X/DR - Arnaud Boubet © Pierre de Chocqueuse

Une visite à Michel Sardaby, l’occasion de le faire parler de sa musique, de sa longue carrière, d’offrir une tribune à un musicien sincère et exigeant que l’on invite trop peu à jouer dans les clubs et dont les disques, introuvables en France, se négocient à prix d’or au Japon. Depuis peu disponible sur CD et LP (double), un florilège des morceaux du pianiste que préfèrent ses enfants motive cette interview. 

Le sourire jusqu’aux oreilles, Michel me reçoit chez lui, dans l’appartement qu‘il occupe depuis 1986 rue Carpeau à Paris. « J’ai tout aménagé moi-même. J’ai conçu et fabriqué mes meubles, mon lit, mes placards… » Le piano du salon dans lequel il m’introduit est celui que possédait son père à Fort-de-France, un Pleyel modèle F de 1934, cadre métallique, cordes croisées. « Mon père me l’a offert. Il était concessionnaire de la marque et excellait au piano. À la Martinique, la musique est la base de notre culture. On chante, on fredonne continuellement. On écoutait Duke Ellington, Django Reinhardt à la radio mais aussi Yvonne Blanc, Tino Rossi et de la musique classique qu’il fallait écouter en silence. J‘avais un don pour le piano, mais un don peut être un handicap si l’on n’acquiert pas les moyens de le faire évoluer. Ma mère voulait que je prenne des leçons. À 13, 14 ans, j’en ai pris trois avec un professeur très sévère. Il m’a appris à jouer After You’ve Gone et Old Black Joe (rires), mais la musique m’habitait déjà. J’approchais la virtuosité, mais je ne savais pas déchiffrer une partition. Lorsque je me suis retrouvé à Paris pour poursuivre mes études artistiques à l’école Boulle, j’ai pallié cette déficience en suivant sérieusement des cours de solfège, le soir, à la mairie du Xème, trois ans d’études que j’ai effectués en un an. »

Le but de ma visite est un disque autoproduit par Michel qui n’a pas encore de distributeur, mais que l’on peut trouver dans quelques FNAC parisiennes (Monparnasse, Ternes, Halles) et chez Crocojazz, rue de la montagne Sainte-Geneviève. “The Art of Michel Sardaby” n’est pas une nouveauté, mais une sélection de morceaux tirés de sa discographie. Le choix est celui de sa seconde fille Patricia. « Conseillée par Gilles Coquempot de Crocojazz, elle a choisi les morceaux qui la touchaient le plus, se faisant aider par Charles Duprat pour les photos, Patrick Tanguy pour la maquette, Guillaume Billaux pour le montage et le mastering. J’ai laissé faire. Un disque ne reflète jamais ce dont un musicien est capable, bien que certains enregistrements traduisent une certaine vérité. Tu manges du lapin aujourd’hui, du poulet demain. La vérité, c’est la chair du lapin ou du poulet, pas les ingrédients qui l’accompagnent et en relèvent le goût. Ces morceaux reflètent mon travail, mon évolution, le désir que j’ai de faire de la musique. Mes moyens financiers ne me permettaient pas de me payer de longues séances. Mes disques ont tous été enregistrés en deux fois trois heures, après trois heures de répétition. Les morceaux sont tous des premières ou secondes prises. Il était rare d’en faire une troisième. »

Ceux que contient “The Art of Michel Sardaby” s’étalent de 1965 à 2004, année au cours de laquelle, un de ses disques “At Home” – avec Ray Drummond et Winard Harper – , a été fait dans son salon. « Sardaby’s est un morceau enregistré spontanément comme la plupart de ceux que contiennent mes disques. C’est Winard qui m’a suggéré le titre. » 1965, c’est l’enregistrement de “Blue Sunset”, le premier disque de Michel produit par Henri Debs. « Beaucoup plus tard, dans les années 90, mon producteur japonais l’a rebaptisé “Con Alma” y ajoutant des titres enregistrés en concert avec Michel Finet à la contrebasse et Philippe Combelle à la batterie. Brother Bill, je l’ai écrit pour Bill Baskerville qui possédait le Pancake Palace rue Fromentin près de Pigalle. J’y ai joué avec Clark Terry et Stuff Smith et j’en garde un très bon souvenir »

L’album s’ouvre sur Song for my Children, une composition de 1972 écrite pour ses enfants. « Lorsqu’ils étaient petits, je les faisais chanter. Ils ont tous l’oreille musicienne, surtout Patricia. J’aime les bons chanteurs, les bonnes chanteuses. Il y en a peu aujourd’hui. Le chant est la racine, l’essence de toute musique. Avant de jouer une note, tu la chantes intérieurement, tu l’entends naître en toi. » Enregistré avec Richard Davis à la contrebasse, Billy Hart à la batterie et Leopoldo F. Fleming aux percussions, Song for my Children fait partie de “Gail”, un des enregistrements new-yorkais de Michel qui, chose inhabituelle – c’est la seule fois qu’il l’utilise dans ses disques – , joue du Fender Rhodes. « Ce morceau possédait un climat qui convenait bien à cet instrument vivant qui possède un vrai son. » Le blues dans les doigts, Michel en tire de magnifiques sonorités cristallines. « Il y a du blues dans tout ce que je joue. Avec le blues, j’ai l’espace, le silence, le tempo, le rythme, le swing. C’est ce que l’on devrait enseigner en priorité dans toutes les écoles. »

Le blues imprègne totalement Night Cap enregistré deux ans plus tôt en 1970 à Paris avec Percy Heath et Connie Kay. « Nous étions en harmonie, en osmose de sensibilité. » Michel ne charge pas inutilement de notes la ligne mélodique de ce morceau qui donne son titre à son disque le plus célèbre, mais le fait constamment chanter. « Lorsque je compose, je pense au chant, aux paroles. Si tu joues un standard, tu dois les connaître, même si elles sont nulles. Ton exécution s’en ressentira si tu les ignores. Il y manquera quelque chose. » Autre extrait de “Night Cap” « mon disque fétiche, celui qui a été partout reconnu », I’m Free Again est une ballade dans laquelle Percy Heath joue une magnifique ligne de basse. Connie Kay pose délicatement le rythme aux balais. Embelli par de tendres notes perlées, trempé dans le blues, le solo de Michel est un moment inoubliable : « C’est en écoutant Dexter Gordon interpréter des ballades que j’ai appris à bien les jouer. Art Taylor était à la batterie. Ça swinguait avec Art. Travailler avec Kenny Clarke a également été une belle expérience. »

Car parallèlement aux cours qu’il suivait à l’école Boulle dont l’enseignement fut pour lui un véritable éveil, Michel fit son apprentissage dans les clubs de la capitale avec les musiciens américains de passage. « J’ai accompagné entre autres Jay Jay Johnson au Blue Note de la rue d’Artois, la chanteuse de blues Mae Mercer, les bluesmen T-Bone Walker et Sonny Boy Williamson… J’ai appris à m’entendre, à jouer moins de notes pour rendre mon jeu plus fluide. j’étais à bonne école pour écouter, apprendre des choses. » Comme son nom l’indique, Dexterdays, un extrait de l’album “Straight On”, est dédié à Dexter Gordon. Michel l’enregistra en quintette aux Alligators en 1992. La trompette de Louis Smith répond avec lyrisme au saxophone ténor de Ralph Moore. Michel arbitre leurs échanges, plaque les bons accords à l’écoute des solistes, mais aussi de la rythmique, Peter Washington et Tony Reedus qui font corps avec lui. Elégant, inspiré, son chorus interpelle.

Deux titres live enregistrés avec Pierre Dutour à la trompette, Alain Hatot au ténor, Henri Tischitz à la contrebasse et Michel Denis à la batterie complètent cette sélection. « Je jouais avec eux Aux Trois Mailletz. Pierre Dutour et Alain Hatot sont d’excellents musiciens. Ce disque, “Five Cats’ Blues”, est pour moi aussi bon que celui que j’ai fait en quintette avec Ralph Moore. Ses mélodies, ses compositions me sont venus naturellement. C’est une simple maquette, une musique spontanée. Un des fils Bolloré qui jouait du saxophone baryton l’a enregistré sur un Grundig. On répétait l’après-midi dans une salle du Centre Culturel Américain, rue du Dragon. À l’époque, on réalisait une démo à l’attention d’une maison de disques. Si elle plaisait, une vraie séance d’enregistrement était planifiée. J’avais confié cette bande au directeur des disques Président qui, sans nous signer de contrat, l’a sortie sans nous prévenir. »

Je ne peux m’empêcher de demander à Michel pourquoi il n’a pas enregistré de disque en solo. « Il me faut du temps. J’ai fait un AVC l’an dernier. J’en conserve quelques séquelles au niveau des mains, surtout de la droite que je récupère progressivement. Peu avant mon accident, en mars 2011, avec Hassan Shakur à la contrebasse et Alvin Queen à la batterie, nous sommes allés en studio sans trop savoir ce que nous allions jouer. Nous avons improvisé, joué des standards, mes compositions spontanément comme dans un club. Ces morceaux, je les interpréterais différemment si je les rejouais. C’est la photographie d’un moment, de mon désir de jouer, de faire de la musique. Le disque s’intitulera “Nature” et sortira au Japon sur Sound Hills Records. »     

Excellent pédagogue, Michel Sardaby a eu de nombreux élèves parmi lesquels des pianistes aujourd’hui célèbres. Il préfère taire leurs noms. On craint son franc-parler, son exigence. « Avec moi, on travaille. Les cours durent 2 heures 30, 3 heures. Je dérange. J’ai appris à monter au ciel sur une corde lisse que l’on m’a souvent graissée. J’ai voulu faire partager mon expérience, apporter des choses à tous ces jeunes qui ont besoin d’être aidés. Il n’y a pas d’abstrait sans concret, sans racines. Vous voulez vous exprimer mais qu’est-ce que l’expression ? Vous voulez improviser mais qu’est-ce qu’une improvisation ? Ces questions, je les pose à mes élèves. J’essaye de leur faire entendre ce qu’ils jouent, les harmoniques, l’écho du silence. C’est tout un travail de prise de conscience, un fil d’Ariane très enchevêtré mais logique à démêler. Le premier conseil que je leur donne, c’est de se révéler à eux-mêmes. Quand je joue, je m’enseigne moi-même, je m’écoute au piano, je suis en même temps percepteur, émetteur et récepteur. Mon père me disait : tu dois apprendre à écouter et à entendre. La note, c’est la manière dont elle est attaquée, sa résonance qui la rend juste. Je préfère une fausse note qu’une note fausse m’obligeant à émettre une expression qui n’est pas la mienne. La fausse note dans le jazz te permet d’évoluer. »

Pour contacter Michel Sardaby : michel.sardaby@orange.fr

Crédits photos : “The Art of Michel Sardaby” photo © Charles Duprat. Autres photos de Michel Sardaby © Pierre de Chocqueuse

Hommage à Bill Evans intitulé “The Touch of Your Lips“, le nouveau disque du pianiste Manuel Rocheman contient des compositions d’Evans, des morceaux que ce dernier aimait jouer, mais aussi de nouvelles compositions de Manuel au sein desquelles il avoue avoir mis son expérience, ses sensations face à la musique d’Evans qu’il a découvert tardivement. Je lui ai demandé de m’expliciter les dix titres de ce nouvel album enregistré en septembre 2009 pour Naïve avec Mathias Allamane à la contrebasse et Matthieu Chazarenc à la batterie.

M.A.S.H. : « On le joue exactement comme Bill le joue sur “You Must Believe in Spring“ avec ses trois modulations. On peut presque dire que le morceau est de Bill, même si Johnny Mandel est l’auteur du thème. L’album “You Must Believe in Spring“ m’a marqué énormément. Bill se relâche, joue une musique sensible et profonde. Le thème revient comme un leitmotiv. Je voulais shunter le morceau, mais j’ai finalement décidé de le laisser tel quel avec sa coda un peu abrupte. »

Send in the Clowns : « Le morceau sonne comme si Bill l’avait joué. Je n’en connais pas de version interprétée par lui-même. J’ai eu du mal à choisir cette prise. Nous en avons enregistré plusieurs, toutes différentes. Le solo est assez ouvert avec sa pédale en mi. Le thème, très beau, se suffit à lui-même. Plusieurs chanteuses dont Sarah Vaughan ont interprété ce thème. Le chanteur et compositeur brésilien Dorival Caymmi l’a également enregistré et c’est très beau. J’ai également entendu Toots Thielemans le jouer. Il en existe peu de versions pianistiques. C’est une ballade, une mélodie de Stephen Sondheim que Bill aurait très bien pu reprendre. »

We Will Meet Again : « Un morceau en do mineur, une valse. J’ai ajouté une intro en solo, complètement improvisée en studio. Je ne souhaitais pas la garder, mais Matthieu Chazarenc m’a demandé de la laisser. Bill a écrit ce très beau thème pour son frère Harry. C’est une valse très romantique. L’influence de Bill sur ma musique se fait sentir dans mon chorus de piano. »

Daniel’s Waltz : « C’est un morceau en la majeur que j’ai écrit pour mon fils Daniel. Les pianistes n’aiment pas cette tonalité en général. L’approche harmonique de cette pièce fait penser à du Clare Fischer, un pianiste, arrangeur et chef d’orchestre qui a influencé Bill Evans. Le pianiste Bernard Maury était très proche de lui. »

For Sandra : « Composée pour Sandra, ma fiancée, cette pièce prend un aspect latin après une introduction rubato en solo. Je me démarque ici de Bill Evans qui a peu joué cette musique. Il a repris Minha, mais le côté brésilien du morceau est très peu marqué. Bill aimait beaucoup Antonio Carlos Jobim, harmoniquement proche de Ravel, de Debussy. J’ai écrit et répété le thème avec les musiciens avant de rentrer en studio. Bill Evans a écrit For Helen ; mon morceau est écrit For Sandra. Nous sommes tous deux sensibles aux femmes (rires). »

Only Child : « La mélodie, les accords de ce morceau de Bill Evans me plaisent. C’est une ballade extraordinaire qui possède un aspect dramatique. J’ai attendu d’avoir quarante-cinq ans pour rendre hommage à Bill, ce qui est très casse-gueule pour un pianiste. Je n’ai pas voulu le copier, reprendre ses solos. Ce disque, j’avais besoin de le faire. J’y ai mis mon expérience, mon vécu, et je l’assume pleinement. »

Rhythm Changes : « J’ai voulu exprimer le côté nerveux de Bill, évoquer le disque “Everybody Digs Bill Evans“ qu’il a enregistré avec Philly Joe Jones et Sam Jones. J’ai écris un anatole sur I Got Rhythm à partir des “Coltrane Changes“, un principe harmonique propre à Coltrane qui ne pouvait pas blairer Evans. J’aime beaucoup travailler sur ses changements d’accords, trouver des couleurs et parvenir à jouer dessus. C’est à la fois passionnant et difficile. C’est un morceau nerveux, un peu tendu. Bill Evans jouait cette musique à ses débuts. Elle porte la marque du bop et témoigne de ses racines. Bill n’est pas seulement un musicien romantique. Il jouait aussi du bop. Ce n’est qu’après qu’il a trouvé sa voie. Le sextette de Miles Davis lui a ouvert d’autres horizons, les portes d’une autre musique. »

The Touch of Your Lips : « Bill le joue en solo sur “Alone Again“. J’aime beaucoup ce thème de Ray Noble, un beau standard qui n’est pas tellement joué, mais que Chet Baker et Bill Evans ont tous deux interprété. Nous le jouons en do. L’introduction est en ré bémol, un demi-ton au-dessus. Le thème apparaît ainsi plus lumineux.

La valse des chipirons : « C’est encore une valse. Bill adorait en jouer. C’est presque un musicien européen. Chopin, Scriabine sont harmoniquement assez proches de lui. Ma mère est basquaise et j’aime beaucoup les chipirons, des calamars à la basquaise. Tu fais revenir à la cocotte avec du vin blanc. Tu ajoutes des tomates pelées, des céleris. Il faut les découper en fines lamelles et les faire cuire un bon moment. »

Liebesleid : « Une très belle mélodie écrite par Fritz Kreisler, un virtuose du violon. Clare Fischer l’a reprise. Je l’ai entendue jouer par un violoniste au conservatoire et son thème m’a touché. C’est un morceau en sol mineur que redoutent les violonistes. J’en ai extrait sans difficulté sa mélodie. J’introduis un rythme latin à la fin du morceau. Il a été enregistré à la fin des deux jours de studio. Mathias Allamane et Matthieu Chazarenc étaient déjà partis. Julien Basseres l’ingénieur du son m’a proposé de jouer un dernier titre en solo. Bien que fatigué physiquement, j’ai enregistré deux ou trois versions de ce morceau sans trop y croire. En réécoutant les bandes, j’ai trouvé que cette version possédait un peu de cet abandon evansien que je cherche aujourd’hui à exprimer dans ma musique. »

Propos recueillis à la Fnac Montparnasse le 13 juillet 2010.

Manuel Rocheman donnera un concert Salle Gaveau le 8 novembre prochain à 20h30 avec son trio.

Photos © Pierre de Chocqueuse  

“Un soir au club“ est d’abord un roman de Christian Gailly publié aux Editions de Minuit en 2002, un livre rythmé par le jazz présent dans toutes ses pages. Nardis, le nom du personnage central du récit est un thème que Miles Davis composa pour Cannonball Adderley en 1958. Bill Evans le jouait souvent. Lauréat du Prix du Livre Inter, le roman trouva vite un public séduit par la rencontre inattendue de Simon et Debbie, une histoire d’amour qui bouleverse leur vie.

Fort de 170.000 exemplaires vendus, le livre devient aujourd’hui un film, un premier long-métrage pour Jean Achache qui fut l’assistant de Georges Lautner, Robert Enrico (“Le vieux fusil“), Bertrand Tavernier (sur “Un Dimanche à la campagne“ et “Un coup de torchon“) et qui a signé de très nombreux documentaires. Le réalisateur s’est enthousiasmé pour le livre et ses personnages : « Ils se sont installés dans ma vie, dans mon quotidien. Ils ont pris leur place au milieu de mes obsessions, de mes désirs, de mes amis. Ils n’étaient plus les personnages d’un roman beau et captivant, ils étaient trois personnes qui vivaient près de moi et dont j’avais entrepris de raconter l’histoire. » 

Lors d’un déplacement en province, Simon Nardis, célèbre pianiste qui s’est écarté de la scène du jazz pour raison d’alcoolisme, franchit les portes d’un club. Une envie irrésistible de se mettre au piano, des verres de vodka, la voix de Debbie la propriétaire du lieu qui l’accompagne, Simon se laisse emporter. Sa passion pour le jazz, l’alcool, l’ivresse amoureuse, ce qui constituait son ancienne vie le rattrape.

Enregistré live et confié à Michel Benita, le jazz y tient une place très importante. Recrutés lors d’une audition à Brest, Gaetan Nicot (piano), Xavier Lugué (contrebasse) et Marc Delouya (batterie), le trio du club, improvisent sur des compositions de Michel. Ce dernier a également écrit plusieurs chansons pour Elise Caron qui tient le rôle de Debbie. Chanté par Elise, Whispering, le très beau générique fin de l’album devient The Sound of Memory. Thierry Hancisse est Simon Nardis. Ce n’est pas lui que l’on entend au piano mais Antoine Hervé. L’acteur pose ses doigts sur les notes retranscrites par Antoine et donne vraiment l’impression que c’est lui qui les joue. Amoureux du livre, Jean Achache en livre une adaptation fidèle. Son film conserve l’aspect envoûtant de ses pages et les deux actrices (Elise Caron et Marilyne Canto) sont parfaites. Le choix de Thierry Hancisse est plus contestable. L’acteur joue un musicien moins sympathique que celui du roman. Le film est surtout porté par les deux femmes. Elles lui donnent sa crédibilité et le rendent attachant. Séduit par le charme qu’il distille et persiste longtemps après sa vision, j’ai contacté Elise Caron qui répond ici à mes questions.

Elise, avais-tu lu “Un soir au club“ avant que Jean Achache te propose le rôle de Debbie ?

-Je n’avais pas lu le livre. C’est Michel Benita qui a pensé à moi pour le rôle. Il m’a mis en contact avec Jean. J’avais rencontré Michel à la Réunion en 1988. Il donnait une série de concerts avec Andy Emler, François Jeanneau et Joël Allouche et j’étais en vacances. Andy animait un stage de jazz et j’y ai participé. Nous sommes restés ensemble trois semaines et nous nous sommes très bien entendus.

Qu’est-ce qui t’a séduit dans le personnage de Debbie ?

-Ce quelque chose de légèrement sulfureux qu’elle possède sans en avoir l’air. Ce n’est pas une femme froide et calculatrice. Elle profite des situations, mais tombe quand même amoureuse ; elle provoque, mais elle est prise à son propre piège. Dans une scène supprimée, elle explique qu’avant de rencontrer Simon, elle pouvait avoir des aventures avec des musiciens de passage. Mais avec Simon, il ne se passe pas la même chose. Elle est admirative. Je n’ai donc pas eu besoin d’insister sur le côté provoquant du personnage. Un grand trouble réciproque saisit au même moment ces deux êtres qui vivent une rencontre exceptionnelle.

Comment s’est effectué le tournage ? Quels souvenirs en gardes-tu ?

-Le tournage a duré un peu plus d’un mois, une petite semaine à Paris et le reste à Brest. Le temps était très mauvais. Il faisait froid. La ville dégage une atmosphère particulière que le film traduit bien. Il n’y a pas grand monde dans les rues. Elles sont très larges et le vent s’y engouffre. Le film a été tourné dans un club mythique, l’Espace Vauban. Nous y sommes restés une semaine entière. La toute dernière scène du film, celle dans laquelle Debbie se rend au club et découvre Simon au piano, est la dernière qui a été tournée au Vauban. Ça a été un moment fort, très chargé sur un plan émotionnel, une scène qui a eu des répercussions sur la suite du tournage, qui ancre l’esprit du film. Nous avons eu une journée pour répéter la musique et tout a été filmé en direct. Les prises devaient être bonnes à la fois pour l’image et le son. La musique commandait. Je n’ai pas trop l’habitude de chanter des standards de jazz. Il fallait les chanter avec un maximum de naturel tout en surveillant constamment ses expressions et ses gestes à cause de la caméra.

Tu as même composé un petit morceau de musique, un Haïku…

-Il y avait un piano dans l’appartement qu’occupe Debbie et je voulais faire un truc un peu mystérieux, jouer une courte pièce. J’ai proposé un de mes morceaux. Ayant l’intention d’en écrire d’autres, je l’ai intitulé Haïku 1. J’ai dans l’idée d’en faire plus tard une chanson. D’un autre côté, composer reste pour moi difficile. Je suis très lente. Je n’ai jamais suivi de cours d’harmonie, de composition. Je fais tout à l’oreille. Je pianote et, parfois après des heures, il en sort quelque chose, une mélodie sur laquelle il va me falloir trouver des paroles.

As-tu eu du mal à rentrer dans la peau de ton personnage ?

-A force de tourner des scènes les unes après les autres, on arrive à imaginer et à devenir le personnage. Cela se passe petit à petit. Une des scènes culminantes du film est celle qui se déroule sur la plage, une scène d’amour très pudique qui a été plutôt drôle à tourner. Certaines scènes intermédiaires ont été plus difficiles à jouer. Je ne savais pas ce que je devais ressentir à ces moments-là, je n’avais pas d’avis. Après les avoir tournées, je me suis rendue compte que je ne les avais pas maîtrisées, qu’elles m’avaient échappées. Peut-être par inexpérience, car cela faisait longtemps que je n’avais pas joué un rôle aussi important au cinéma. Je me sens plus à l’aise avec le théâtre. On profite jour après jour de son travail, de ce que l’on a fait la veille et les jours précédents. Une expérience théâtrale est pour moi apaisante. On se sent beaucoup plus légère. On dispose de davantage de temps pour répéter. Le cinéma est un autre travail. Il demande un regard encore plus aiguisé sur soi-même. Un film est définitif. L’image fige le moindre faux-pas. Sa dimension macroscopique oblige à rentrer davantage dans les détails, à toujours garder un œil sur soi.